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BISHAN Project — 碧山计划

onoff — Tue, 31 May 2011 07:18:42 +0000

“碧山计划”是一个关于知识分子回归乡村，接续晏阳初的乡村建设事业和克鲁泡特金(Peter Klopotkin)的无政府主义思想，重新激活农村地区的公共生活的构思，它主要是针对目前亚洲地区迫人的城市化现实和全球农业资本主义引发的危机，试图摸索出一条农村复兴之路。

时代美术馆举办的“碧山计划”项目，是2011年8月在安徽黟县碧山村举办的“碧山丰年祭”前期工作的一次成果展示。借用“丰年祭”这一古老的仪式名称，期望恢复和重建这种由来已久的乡村公共生活之一，并赋予它新的内涵。同时，我们也将“碧山丰年祭”作为一种全球化和在地化的交集实验。

“碧山计划”的核心是在美术馆系统中介绍“碧山共同体：如何建立自己的乌托邦”的概念，为观众提供一种新型的乡村建设思路。作为“行动在大地”的乡村践履，“碧山计划”邀约了国内外的艺术家、建筑师、乡建专家、作家、导演、设计师、音乐人，与致力于乡土文化研究的当地学者、民间手工艺人和民间戏曲艺人进行广泛的沟通合作，共同拓展乡村建设的生存空间。“碧山计划”展示了外地参与者在自己的创作历史上与乡村建设有关的思考，又呈现了与在地参与者两个月以来的协作实验。同时，它还在美术馆空间搬演与再现了乡村生产与生活的某些场景。

“碧山计划”在时代美术馆的初步展示标志着以乡村建设为宗旨的“碧山共同体”的正式启动。它与我们将要举办的其它活动一起来探索徽州乡村重建的新的可能，并在北京798和上海莫干山这类城市改造和再生模式之外，拓展出一种全新的徽州模式：集合土地开发、文化艺术产业、特色旅游、体验经济、环境和历史保护、建筑教学与实验、有机农业等多种功能于一体的新型的乡村建设模式。

开幕：2011年6月5日 15:00
展期：2011年6月5日-2011年6月19日免费开放
时间：10：00-18：00（逢周一闭馆）
参展艺术家：陈飞波，董文胜，方如金，寒玉（李国玉），胡中权，李沛峰，刘冰鉴，梁绍基，马可，欧宁，邱黯雄，唐克扬，王音，小马+橙子（马慧敏，陈成城），谢英俊，郑小光，朱哲琴
策展人：欧宁左靖

地点：时代美术馆19楼主展厅
（广州市白云大道北黄边北路时代玫瑰园，地铁2号线黄边站D出口）

主办机构：时代美术馆
特别鸣谢：时代地产

脏玻璃绘画

sam — Thu, 09 Sep 2010 07:34:29 +0000

一直觉得处于创作高峰期的艺术家的创作欲望都与街头野狗的性欲一样旺盛和随性。虽然很多街头艺术不被一些公众和治安部门认可，但这都阻止不了艺术家们野狗一样的创作激情，即使刚刚完成的作品在几分钟之后被销毁，至少创作的过程与刚刚完成时的满足感，以及带给部分观众的哪怕一丁点的愉悦感，都将永存于我们脑海之中。

Scott Wade 的绘画创作载体有些特别，想必艺术家也经历过大多数街头艺术创作者的遭遇，所以干脆选择了汽车窗户玻璃作为画板，只是在创作之前，还得人为的弄脏它，喷上一层灰尘，然后再开始绘画。但结果也终究难逃被销毁的命运，所以Scott Wade 现在的创作大多是现场表演性质的。虽然为这些不能长久保留的艺术形式感到遗憾，不过能够把创作过程与结果展现在观众们面前，本身也已经实现了作品以及艺术家自身的价值。

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我们的美丽如此相似

sam — Tue, 24 Aug 2010 08:25:05 +0000

鹿特丹的摄影师 Ari Versluis 和（分析员）Ellie Uyttenbroek 共同在十多年的工作中，创作了一组他们称之为：“Exactitudes”的系列图片影像作品（该系列作品主要集合了各类社会群体不同的着装式样和风格）。然而，经过准确筛选整理后，所有人看到了一个意外却又合乎人性的结果：人们对于自身的“美”抱有顽固的个人主见，同时又是极其相似的。但愿这不会让众多自认为特立独行的人感到绝望。

从鹿特丹的gabberbitches到巴黎tektonik的舞者，还有里约的小流氓，我们发现日常装束是一个按年龄，种族，宗教，性别，地位，艺术品味，政治观点，职业等标准定位的严谨统一化的不自觉选择。所以很抱歉，即使你不愿意，你的个人标签也同样会出现在别人的选择之中。

via: los-list.com

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勇气、希望、热情 —— Milton Glaser 访谈录

sam — Mon, 23 Aug 2010 05:52:43 +0000

之前我们曾经介绍过一篇关于他的文章：“Milton Glaser: To Inform & Delight”，大家可能也已经通过其同名纪录片了解了这位漫步于平面设计领域的行者。这次，我们找来这篇触及多个话题的访谈录，与您继续分享Milton Glaser对于设计，生活，乃至教育等问题的坦诚话语。

也许是因为地域文化有差别，与日本的田中一光先生不一样的是，Milton Glaser 的观点表述显得更加直白，而前者则蕴涵了东方式的浪漫气息，但无论如何，这些历经了多个设计时代的巨匠足矣继续给设计界的新生力量起到重要的指引作用。希望这篇访谈会对您、对您的设计理念产生些许触动，哪怕是主观情感上的。

关于设计与艺术

艺术能帮助生存，能改善生活质量。或许有人会问这怎么可能，艺术是怎么改善生存的呢？事实是艺术让人更注意细节，更懂得观察和体贴。

17岁那年我坐在餐桌旁，忽然决定给我妈妈画一张画像，但是我很快发现自己之前对母亲的长相几乎没有什么概念。直到我决定去画张画我才开始认真的观察她的容貌。人们总是对每天常见的人和物视而不见，越是常见的越是有免疫力。所以艺术让你学会重新观察身边的一切。

所以我的推论是艺术让我们更仔细地观察面前的事物，在我们下结论前先去分辨真伪。

因此你不能用一些功利性的东西去衡量艺术，只有把自己的观察力提升到足够细致的程度才能理解艺术。所以如果有人极为用心极富观察力地创造了一个东西，不管是一张画还是一个三明治，都可以称之为艺术，至少我是这么认为的。除此以外我对艺术再无其他的判断标准，不管怎样艺术肯定不是目前这个圈子里那些病态扭曲的作品。如果有个东西让我驻足关注，带给我以前没有注意到的细节，我觉得那就是艺术，反之即使它再大再精美，即便挂在美术馆里，对于我它不是艺术。

所以艺术跟个人阅历和功能性无关，只取决于它是否让你更细致的观察。

设计者和电脑

电脑是个极其强大的设备，就像其他工具一样，它能完美表达你对现实，对一切美好又恰当的事物的感知，同时也能彻底摧毁你的感知。它可以表现一切肌理效果，素描、水彩、蜡笔、油画无所不能。但是它也强大到足以影响你的感官，所以要非常小心的对待，千万不要让电脑支配你。你现在看到的很多作品都是在电脑的支配下完成的，完全看不到使用者的审美和判断。

所以我觉得在你使用电脑之前一定要对图形、颜色、形状和表达内涵有足够清醒的认识和控制，否则它会彻底颠覆你。

设计过程

这个问题不好回答。人们总是试图总结流程套用公式，但事实是有些东西原本就在你脑子里，问题是你怎么把它导出来，而且你对自己的流程有没有信心。

比如说你相信自己能在2天之内设计出一个logo，你就会先画草稿，然后修改，反复研究，盯着它仔细看。。。不管流程怎样，只要你相信用这些办法你能做出来，那就就是你自己的工作流程，而且这个信念会一直支持你。如果你已经胸有成竹考虑充分，相信自己20分钟就能出一个logo，那你就能在20分钟内做完。

我现在的大部分作品都是在无意识的状态下完成的，因为我之前花了很多年在图形设计的学习积累上。所以我的方法很含糊。有时候我忽然去做一件事，而且很快做完了，有时候我做了几个星期却没有什么进展。而且我也意识到你花的时间和你的报酬不应该成正比，我们往往觉得如果报酬高我们应该为此多花点时间，如果钱很少，就不用画多少时间了。我认为刚好相反，那些报酬少的活儿往往是最有创作空间的。因为通常高报酬的设计约稿通常是大公司或者商业行为，他们花了很多钱，希望看到他们想要的作品，所以通常到最后往往要去妥协他们提出的要求。所以我觉得最好的流程应该是随心随性。

一个好的logo

这个话题太没意思了。你知道我们谈logo其实就是谈钱。做logo是设计这行最枯燥最没意思的事情之一。

做一个好的logo你要让它又难忘又有新鲜感，还要有一定的熟悉度保证人们不会拒绝它。你不能把它做得太复杂，同时要保持一点点幽默感。最好让看的人第一眼并不完全明白，然后几秒钟以后忽然就明白了。这就是I love NY成功的原因，I完全是个单词，心型是个符号，而NY则是一个地方的缩写，人们需要在这三者之间转换一下。

未来

噢，我不知道，我只是希望在日复一日的生活中不断的接触到我之前未做过的事情。所以，与大家一起继续努力创作下去就是我认为的最有趣的事情。

最好的作品

我从没有这样的构想。我想我最好的作品应该是我在这行呆了这么长时间依然有兴趣继续做下去。这倒是个成就。因为干这行太容易感到厌倦了，我能对每天的工作保持热情和希望对于我来说真的是我最大的成就了。

对设计师的忠告

人们很喜欢问我这个问题，好像这个问题很值得一问。其实我能给的唯一的忠告是你要保持勇气心甘情愿地为这个事业贡献一生，还要有坚持下去的热情。

什么时候决定成为一名图形设计师

我5岁那年我就决定我要成为一名艺术家。我非常有意识地决定这就是我一生要从事的工作，当时我真的只有5岁。

教育的重要性

如果你是天才你根本不需要上学，但事实是这个世界上天才很少。所以每个人都需要上学，而且一生中也只有在学校里的这段时间是可以让你全心全意用来学习的。

我觉得更重要的是离开学校以后的后续学习，一个人通过后续教育对自己未来的发展能形成一个整体的认识。受过好的教育不一定能很成功，但是我想没受过教育就想成功那几乎是不可能的。

原文及采访音频来源：designinformer.com
翻译不当之处万望指正。

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像作画般拍摄：Andrew B. Myers

sam — Thu, 19 Aug 2010 07:36:04 +0000

无可否认，现代科技给艺术家们的创作造成了许多困惑的同时也带来了无限想象的可能。
Andrew B. Myers 的摄影作品看上去如现代绘画般充满“无意义”的情感，特别的成像效果让我们很难辨认其作品究竟是来自绘画还是摄影的原型，这应该就是现代艺术对现今充满欲望与困惑的人类世界最好的叙述，但依然无法用逻辑来解释我们究竟为何如此迷恋这般景象。

资料显示，摄影师使用了一种古老的但至今仍在使用的成像技术-“Salt printing”才使得摄影图像看上去如画作一样“不真实”。
1839年，William Henry Fox Talbot 首先使用盐作为印刷摄影的重要成像材料之一。

直到今天，银盐仍是敏感度最高的成像材料。甚至因为其无可取代的灵敏度以及极高的图像解析度，所以工业、军事、医学及科学领域都仍然在广泛使用。（Andrew B. Myers使用的成像方式虽然不一定就是标准的银盐成像，但可以肯定，其过程必定使用了氯化钠与硝酸银两种材料）有兴趣的朋友可以去维基百科查阅更多关于“Salt print”的详细解释。

Bust of Patroclus, 1843
William Henry Fox Talbot (British, 1800–1877)
Salted paper print from paper negative
via:metmuseum.org

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绘画的质感 – Jonathan Jungsuk Ahn

sam — Mon, 16 Aug 2010 07:27:41 +0000

自十九世纪中叶欧洲发明了摄影，画家们便尝试利用照片作为辅助创作的一件工具，比如德拉克洛瓦，还有德加。进入了20世纪，一部分画家为了摆脱照片影像疯狂的魔力，决然的选择在创作动机上与摄影划清界限，又比如后印象派引出的立体主义、表现主义等完全秉持探索绘画原始意义的多个派系。有趣的是，亨利·卡蒂埃- 布列松这样的伟大摄影先驱，绘画却始终是他最为之着迷的创作，以至于他会有：“照相是一种直接的行动，绘画是一种思索。”的感悟。

1977年出生的 Jnathan Jungsuk Ahn 自然也多少受益于现代摄影工具为之带来的绘画创作上的便利。但与很多具有敏锐直觉的画家相似的是，在他的作品中，观众既可以察觉到摄影视觉经验的存在，同时我们又无可辩驳的迷恋于画布上的天然笔触。也许这便是现代绘画带给现代观众的现代视觉经验，至于它们到底是绘画？还是摄影？还是绘画与摄影的共生？是架上艺术早已泯灭的又一佐证？还是画家们重新寻找到了一片可以撒欢的草地？现在，请忘记这些，让眼睛恢复其原始的观看功能，如果你有任何异样的感觉，别慌张，也许你正在恢复某种僵钝久已的知觉。

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让我们在地上撒点儿钱

sam — Thu, 12 Aug 2010 08:08:51 +0000

wooooow~这是一件相当令人惊奇的街头（行为）艺术。艺术家们用总计约25万的一分面值欧元硬币（硬币分为4种不同的色彩排序）创作了这幅附着于地面的漂亮图形-“Obsessions Make My Life Worse and My Work Better”。在八天的时间里，共有100名志愿者先后趴在阿姆斯特丹的公共广场的地面上参与了这次死磕创作行动，非常了不起。

待创作结束后，作品会被留在广场地面上，等待着需要这些硬币的人们一块一块拿走它们，最终使这件作品慢慢消失。但创作们已经在这些硬币的背面涂上了永久的蓝色标记，当你有幸拿到其中某一枚时，可以想象在这枚硬币身上发生过怎样有趣的事情。

大家可以去官方网站再次回顾这件创作、发生于2008年的艺术作品/事件。

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只当他们去旅行了吧

sam — Mon, 02 Aug 2010 07:10:45 +0000

福拜楼说过：“呈现艺术，隐退艺术家。”然而这些艺术家，却选择了最彻底的自我隐退方式。虽然各自动机并不一样，但最终还是接受了自我心灵深处对“新生”的向往。我们的“生”并不都是快乐，他们的“死”也并不满是悲怆和凄凉，请不要为他们悲伤，因为无可悲伤。只当他们是去旅行了吧，待满载归来，定要翻看他们的行囊，挑出最小的那张画稿，偷偷夹到书页里，不让他们发现。

Vincent Van Gogh 文森特梵高 (1853 – 1890)

文森特梵高也许是在历史上“被折磨的天才”中最知名的一位。1890年7月27日，这位荷兰天才画家在巴黎外的瓦兹河畔欧韦城堡朝着自己胸部开了（一）枪，两天后方才死去。当时他才37岁。

然后，死亡却带给了他作品新生的机会。《向日葵》的拍卖价屡创新高，一方面说明人们对于梵高及其作品越来越深刻的认识和了解，同时活着的人们也一次一次被单纯的艺术所嘲笑。

左图自画像为梵高去世前一年所绘。

Arshile Gorky 阿希尔·戈尔基 (1904-1948)

生于亚美尼亚的画家 Arshile Gorky 对抽象表现主义产生过深远的影响。

Gorky的艺术就像是欧洲抽象艺术与美国抽象艺术之间的过渡桥梁。他生于俄国，1920年就到了美国，1925年起定居纽约。

戈尔基的晚年生活可谓支离破碎。他的工作室烤房被烧毁，还患了结肠癌，胳膊在一次车祸中被折断，导致他暂时不能绘画。在1948年，痛苦的戈尔基在谢尔曼，康涅狄格州上吊自杀，享年44岁。

Oscar Dominguez 奥斯卡·多米尼克 (1906-1957)

被誉为现代毕加索的西班牙超现实主义画家 Oscar Dominguez 因疾病困扰（疾病使他身体部分骨头变形），最终摧毁了他的意志。27岁时画家选择通过切开静脉自杀。

Mark Rothko 马克·罗斯科 (1903 – 1970)

出生于俄罗斯的抽象表现主义大师（尽管他生前拒绝了所有类似这样的身份标签）是表现主义十( Ten )的创始成员。因患病、沮丧、忧郁、酗酒及服用过量镇定剂和抗忧郁药物，导致于1970年终于选择切断静脉了结自己的生命。

Diane Arbus 戴安·阿勃丝 (1923 – 1971)

有人称她为“摄影界的文森特·凡高”。戴安·阿勃丝是美国新纪实摄影最重要的旗手，更是美国第一个参加威尼斯艺术双年展的摄影家。

与大多数选择以自尽方式了此一生的艺术家相似的是，戴安·阿勃丝的生活充满了艰辛与困顿，虽然出身于一个犹太富裕家庭，但她的事业却未得到亲人的支持，爱情对她而言是最美好的梦。

1971年1月26日，48岁的黛安．阿勃丝在自己家中吞了一把巴比妥盐酸，穿戴整齐地爬入浴缸中，用一把刀片切开了自己的双腕。

Frida Kahlo 弗里达·卡洛 (1907 – 1954)

1954年7月13日病故，她在日记的最后一页写道：“我希望死是愉快的，我愿永远不再回到这世界。”因此，很多人怀疑她是自杀而死的。尽管验尸官的报告是，关于她的死归咎于一个“肺动脉栓塞。”

1932年，她画了第一幅表现其痛苦经历的画作（上图），画面表现出的悲剧性感染了迪亚哥（弗里达的风流成性的艺术家丈夫），他评价说这幅画“突出了女性的忍耐力、忠诚、现实和痛苦，从来没有一个女人象弗里达这样在画布上表现出如此痛苦的诗意。”

因篇幅所限暂时介绍到这里，更多内容请查看：Life.com

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T.S.Abe的素描世界

sam — Fri, 30 Jul 2010 17:18:40 +0000

生于英国伦敦，沐浴在布里克斯顿阳光下长大的小姑娘 T.S.Abe 用“愚蠢”的方式表达了她对艺术最单纯的理解，而她只有20岁。难能可贵的是，我们可以看到这个英国小姑娘已经懂得使用刻苦练习掌握的技术，描绘、叙述看到的世界。这是手与脑长期协调互动才能达到的创作状态，我们不知道T.S.Abe有几台数码相机，也不知道她周围的朋友们拥有多少数码产品，我们只看到她已经开始了最具有触觉感的艺术创作，想必也已经尝到了其中的乐趣。

T.S.Abe擅长于超现实主义题材的肖像创作，虽然是艺术作品，但在“万恶的”资本主义国家，一切都可以被充当商品，所以我们在英国可以看到Abe的作品会出现在各种环境中，专辑、相册封面，展览墙，甚至是巴士上。而这一切，Abe都坚持着使用单一的素描手法进行创作。如果说在我们国家，素描已经被推向了绝路，但是在英国却仍然散发着其独特的魅力并兑现着她应有的价值。

更多作品请前往这里欣赏。

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木结构的艺术：中国建筑模型

double a — Fri, 16 Jul 2010 06:09:33 +0000

早在今年1月24日落幕的德国慕尼黑现代艺术成列馆的“木结构的艺术：中国建筑模型展”中所展出的19个建筑模型都是首次亮相于海外，其中还有一个斗拱结构的细节模型。这些模型复制了中国现存最古老的一些木质建筑，如南禅寺（位于山西省五台县，唐代，公元782年）、佛光寺（山西省五台县，唐代，公元857年）、独乐寺观音阁（天津蓟县，辽代，公元984年）等，其中独乐寺观音阁经历了28次地震，1679年的那次地震震毁了那个地区所有的房子，只有观音阁幸存下来。

大概有300年左右的时间，中国的大部分建筑都使用同一种结构模式：木质的柱子，一个巨大弯翘的屋顶，盖着瓦片，宽阔的屋檐外伸，所有这些都由一个精巧的木结构支撑着。柱子、檩条、梁等等组成了一个框架结构，而连接它们的仅仅是小小的木榫，就此形成了坚固又有伸缩力的木质结构，甚至可以吸收地震引发的强震。墙壁只是作为填充隔断，并不承重。白杉木的张应力是钢条的四倍，耐压强度是其六倍，相当于混凝土强度。这种结构使得许多古建筑都承受住了严酷的自然灾难，所以公元8世纪的木结构依然得以保留到今天。目前大部分木结构古建筑都位于山西省内。

天津蓟县独乐寺观音阁
（我国现存最古老的木结构高层楼阁）
（辽代，公元916-1125）

图片由北京中国文化遗产研究院提供

北京智化寺千佛殿
（明代，公元1368-1644）

图片由慕尼黑现代艺术陈列馆提供

从公元11世纪开始皇帝颁布旨意将木结构的原理构造记录成册，称之为营造法式。得益于这些指导性典籍，这些神奇的木结构得以一代一代传承至今。
到了20世纪，这些高精度模型的记录和传授被用于建造最重要的佛教寺庙和大型宫殿。这些大比例尺的模型精确演示了细部结构，为重建历史建筑提供了重要的帮助。

山西省芮城永乐宫纯阳殿
（元代，公元1271-1368）

图片由慕尼黑现代艺术陈列馆提供

本次展览还展出了一个300米长4个殿的大型永乐宫（山西芮城，元代，1271-1368）模型，还有占地279公顷的天坛（明清时期，1420年左右）模型、敦煌石刻造像模型等，所有这些都被列入联合国教科文组织世界文化遗产名录。

山西省五台县南禅寺主殿
（唐代，公元618-907年）

图片由慕尼黑现代艺术陈列馆提供

斗拱结构
（宋代，公元960-1279）

图片由慕尼黑现代艺术陈列馆提供

原文资料来源：designboom.com

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